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Pablo Pagola, escultor y profesor de secundaria

"Para enseñar, igual que para crear, es necesario tener vocación"

  • Autor: Por AMAIA URIZ
  • Fecha de publicación: 14 de diciembre de 2009

Recuerda Pablo Pagola (pintor, escultor y profesor) que cuando era un adolescente, como sus alumnos hoy en día, sus padres intentaron convencerle de que su interés por el arte se limitara a los ratos de ocio. Sin embargo, él insistió en que su vocación fuera también su oficio. Aprobó el bachillerato artístico, se licenció en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco y comenzó su doctorado en escultura, con una investigación sobre los aspectos virtuales de este arte.

Especializado en diseño gráfico, Pablo Pagola ha cosechado diversos premios de pintura y ha expuesto en galerías, pero conoce las dificultades que entraña apostar por el arte como profesión. Aprobó el CAP y se convirtió en profesor. "Aunque dar clases es duro y conectar con los alumnos obliga a esforzarse y desgasta, a mí me gustaba", puntualiza mientras asegura que los profesores que consiguen interesar a un alumno "tienen un alumno aprobado".

Ser profesor de arte en un instituto se consideraba la salida profesional de los artistas plásticos, su única vía para ganar dinero. ¿Todavía es así?

Hoy en día es difícil vivir exclusivamente del arte, así que la educación sirve para "buscarse la vida", pero ambas facetas tienen en común un alto componente vocacional. Para enseñar, igual que para crear, es necesario tener vocación. Ambas profesiones requieren esfuerzo mental y psicológico.

La asignatura de Artes Plásticas es troncal en los tres primeros cursos de secundaria, ¿el alumno está interesado en ella o la concibe como una asignatura sin importancia?

Como sucede con todas las materias, ciertas personas muestran interés y otras no. En mi caso, intento suscitarles curiosidad en mi asignatura -Educación Plástica Visual- a través de una parte práctica y otra teórica. Si bien el objetivo es que a los alumnos les entusiasme crear, es necesario que antes comprendan la importancia de adquirir conceptos que doten de sentido su trabajo manual.

Usted es licenciado en Bellas Artes, ¿contempla la carrera la faceta pedagógica?

"Aprender a transmitir el conocimiento de las artes plásticas se consigue mediante la enseñanza y el trabajo diario con los alumnos"

Aprender a transmitir el conocimiento de las artes plásticas se consigue mediante la enseñanza y el trabajo diario con los alumnos. En la carrera no se enseñan habilidades pedagógicas, pero en los años de estudiante se aprenden ejemplos y se hacen prácticas que se recuerdan porque gustaron y se utilizan para enriquecer las clases.

¿Cómo consigue captar la atención de los estudiantes adolescentes?

Lo principal es despertar su motivación. La clase debe gustarles para que les apetezca participar. También es necesaria una buena dosis de paciencia porque es una edad complicada y de grandes cambios. El hecho de que soy un creador en activo les llama la atención y les estimula.

Al ser conocimientos de alguna manera poco objetivos, más cualitativos que cuantitativos, ¿cómo se evalúa su aprendizaje?

En este aspecto es muy similar a otras asignaturas. Hay conocimientos teóricos que el alumnado tiene que dominar y partes prácticas que debe realizar. La creatividad se valora en el conjunto final de la asignatura y se llega a ella cuando se demuestra la adquisición de aptitudes, pero también se valora la actitud.

¿Se puede reglar la capacidad de ser artista? ¿No se limita el talento creativo?

"Un alumno creativo lo será en todas las áreas de su vida y en todas las materias"

En una asignatura de dos horas semanales y con grupos numerosos hay que dirigir las clases e intentar que todos lleguen al mismo nivel, pero es imposible poner diques al mar. Un alumno creativo lo será en todas las áreas de su vida y en todas las materias.

Algunas voces sostienen que los niños llegan a la adolescencia castrados en su capacidad artística.

A la educación artística no se le da la importancia que, en mi opinión, merece. Necesita una libertad que en algunos casos es complicado conceder en el colegio. No obstante, la capacidad artística puede desarrollarse en muchos ámbitos que a priori no interpretamos como arte.

Dígame alguno.

La capacidad de comunicar mediante la expresión en las formas trasciende a las disciplinas tradicionales y a las herramientas clásicas. Es mucho más amplia que la pintura, la escultura, los colores y el barro. Si crear es su propósito, da igual con qué medios, una persona puede ofrecer arte a los demás.

Si reconoce en uno de sus alumnos un talento especial, ¿qué le aconseja?

Primero indago en el alumno, en cuáles son sus inquietudes de futuro y si se muestra interesado en el arte. Si es así, le oriento para que elija el bachillerato artístico que le sirva para enfocar su carrera profesional.

Supongamos que no demuestra una capacidad artística especial, pero sí una sensibilidad estética acusada.

"En general, capacidad artística y sensibilidad estética van unidas y se perciben de manera clara"

En general, capacidad artística y sensibilidad estética van unidas y se perciben de manera clara. Los campos del arte son muy amplios y, aunque los alumnos no destaquen en una disciplina tradicional, pueden tener una querencia por la forma, por los colores o por las proporciones que definen su capacidad artística.

Las nuevas tecnologías han irrumpido en las formas y en las técnicas del arte. Un programa de ordenador hace lo mismo que Andy Warhol inventó con sus retratos. ¿Son atajos que conducen a una solución final aparente, pero no artística?

Las nuevas tecnologías son herramientas con mucho potencial para un artista, siempre y cuando le sirvan para transmitir y comunicar de la misma manera que se hace con un lienzo. Las tecnologías y el arte evolucionan con el mundo y hay que saber utilizarlas. Pero esto no cambia el resultado final. Hay que diferenciar entre herramienta y obra de arte.

¿Cómo conjuga la necesidad de dotar de sentido práctico inmediato a la adquisición de conocimientos más subjetivos, como los artísticos?

Me encontré con este problema en mis inicios como profesor. Mis alumnos no entendían para qué era necesario aprender teoría, para qué servía acercarles a la historia de la imagen, por qué había que estudiar conceptos en lugar de pintar o aprender a manejar programas de edición. Sin embargo, hicieron un ejercicio: dibujar un "storyboard" -narración con imágenes-. Comprobaron que se apoyaban en las letras y no en los dibujos. Carecían de referencias, de teoría, de ejemplos visuales. A partir de ahí, comenzamos a estudiar, a atender a los manuales, a comprender los principios. En el primer examen suspendieron todos menos uno, en el siguiente fue a la inversa y, además, sacaron notas altas.

Usted es creador y profesor, ¿cómo combina ambas facetas?

"Para mi trabajo como profesor me complementa ser creativo"

Saco tiempo para poder crear, aunque la prioridad es preparar las clases. Pero no tengo duda de que para mi trabajo como profesor me complementa el hecho de ser creativo. Para mis alumnos, la relación es más real: me ven como un pintor que les enseña, no como un teórico de las artes. Mi disciplina artística me obliga a estar al día de las corrientes y eso me permite recurrir a ejemplos actuales y enseñarles técnicas y herramientas de última generación para que desarrollen su capacidad creativa.

En la actualidad ¿se comprenden las manifestaciones artísticas y a sus creadores?

La sociedad reconoce el arte, aunque son pocos los artistas que logran exhibir sus obras. Sin embargo, más allá del negocio, no hay duda de que el público muestra interés por el arte. Tal vez en su vida cotidiana no van a un museo cercano, pero el turismo artístico es cada vez más numeroso y a la gente le gusta visitar en sus viajes un museo o una exposición. El público es cada vez mayor y más heterogéneo.

Los estudios artísticos se reconocen con el título superior de Grado

En 2010 finaliza la implantación del Espacio Europeo de Educación Superior (EEES), que será una realidad en más de 45 países, entre ellos España. Este nuevo panorama universitario es un reto para las enseñanzas artísticas superiores, que se reconocerán en toda Europa y deberán medirse con las de otros países europeos.

En los nuevos planes de estudio, se reconoce con el título superior de Grado a los estudios superiores de Música, Danza, Arte Dramático, Diseño y Conservación y Restauración de Bienes Muebles. Esta nueva regulación facilita a su vez la movilidad y el intercambio de graduados entre instituciones universitarias mediante el desarrollo del denominado Suplemento Europeo al Título (SET). Son enseñanzas que incluyen el diseño de máster, equiparables a todos los efectos a los máster universitarios, así como el fomento de convenios con las universidades para la organización de los estudios de doctorado y programas de investigación.




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